《奇谭：纸刃渡荒墟》（下称《奇谭》）在爱奇艺上线后，传递出两个信号，一是作为国内首部拿到“网络剧片发行许可证”的AI长片，它的问世意味着AI长片正式迈入影视工业体系；二者，在各种大模型轮番登场的当下，AI长片以极快的速度，完成了从技术验证到规范化商业落地的跨越。

　　可以说，这是AI影视创作的一个里程碑。

　　引人关注的除了“行业首个”带来的开创性，还有这部长达68分钟的AI作品，出自一个20多人的团队之手，整个创作过程只用了4个月。而自AI漫剧进入主流视野至今，也不过半年多的时间。

　　和时间赛跑的创作者们，本质上是跟技术发展竞速。《奇谭》的出品人、总制片人蒋程在与镜象娱乐的对谈中，提到最多的词就是迭代，“每当一个新的大模型出来，对之前输出的内容都可能形成颠覆”。

　　随时面临推倒重来的日子里，导演曾祥程也感慨：“很多的时间好像是在做一个研究，（影视创作）变得很像在做科研。”

　　一场对话探向《奇谭》创作背后，那里既藏着AI影视创作初期面临的种种挑战，也承载着技术革新的浪潮下，创作者们对内容产业新的期待。

　　在《奇谭》片头片尾的主创列表中，出现了很多之前没有见过的新职位：AI导演、AI资产效果师、AI分镜画师、AI美术指导、AI场景及道具生成等。这些人中，有一半来自传统影视行业，一半则是“跨界玩家”，他们此前的职业五花八门，比如雕塑师、或是有计算机背景的技术人才。

　　这意味着在AI影视创作中，传统的人才结构被打破重组。

　　蒋程坦言这是起始阶段的一大难点，因为身处行业发展初期，AI影视创作不只缺少经验，甚至连每个环节需要怎样的人才都要去摸索：“在制作过程中，我们要匹配看什么样的创作者可以去做AI转型，什么样的人可以在AI技术赋能下，有更好的创造力和想象力。”

　　简单来说，影视创作的所有需求，都需要转化成AI可以听懂的指令，而这需要不同的人去完成。

　　曾导谈起他与AI导演之间的紧密关系。首先双方必须有一个共识：“了解AI的边界在哪里，什么东西可以用AI落地，什么东西不行。”其次在具体的操作上：曾导拿到剧本后要进行适AI化调整，对故事做细节的拆分分镜。完成的内容同步给AI导演、AI资产效果师等，前者通过批量镜头测试，筛选可用的指令，后者根据成片需求，去做场景、道具等细节落地。

　　蒋总举了一个更具体的例子，比如影片某个场景需要一个暖色光，AI导演和提示词工程师就需要把这个光源环境细化成具体的色温指数，并保持前后画面风格一致。

　　值得注意的是，随着一段时间的探索，创作变化产生的反向影响也在同步发生。

　　最直观的感受是，在这场对话中，无论是蒋总还是曾导，他们对片中很多细节的描述，会不自觉带有“指令感”。曾导观察表演给出的总结是：“AI演员嘴角多上扬一点、眉毛多挑一下、眼神多看一点、走路的快慢……都会影响画面传达的信息。”

　　细节和习惯上的变化其实更能说明问题。当大量的创作需求落于指令，这些能够让AI听懂的语言，已经成为AI影视创作的重要资产，而这些资产背后，是一个更快搭建起来的、适应AI时代的新团队。

　　在这个过程中，新的人才结构会逐渐走向成熟，但技术迭代带来的则是一次次“推翻”，这也是蒋总提到的第二个难点。

　　事实上，自蒋程决定入局AI影视创作起，他和团队就已经处在技术高速迭代带来的影响中。据蒋程回忆，他和团队2024年就已经开始使用ChatGPT、Sora等早期的大模型，后来，国内跑出了可灵AI等更多视听大模型、多模态模型，“我们非常明确且坚定，All in AIGC这个领域”。

　　于是在2025年，蒋程创立了大梦创新科技，并迅速展开AI内容测试。也是在这段时间，整个团队都开始和时间赛跑，时刻跟进、钻研新的模型。蒋程直言：“我们面临一个周期性的考验，怎样能在大模型比较好的组合应用下，保持影片的稳定输出？怎样在技术迭代的过程中，保持内容的一致性和产出效率？”

　　“这也是60-70分钟的长片一定会遇到的问题。”曾导同样不断寻找着答案：“去年开始实践的时候，我们经历过一段这样的时期，新的模型一出来，回去看做好的内容好像又不太行，观众已经看了，我们还要播旧的东西吗？”

　　一次次尝试、一次次推翻之后，蒋总、曾导和团队逐渐形成新的共识：要确定一个稳定的画风，不再去追求模型跑出的真人够不够真，而是聚焦如何让技术服务于剧情，形成一个观众看起来舒服的画风。

　　这一转向，一定程度上将创作者从不间断的技术追逐中解放出来，但技术焦虑其实仍然存在。原因在于，大模型迅速迭代背后，AI的表演精度还有很大提升空间。比如AI演员对人不同情绪的精准理解与表达、群像戏的调度、不同景别画面多重切换的连贯长镜头等，目前只靠AI还很难完全实现。

　　曾导记得，在处理白小满开篇的那场哭戏时，剧情需要的是女主落泪，却不知为何落泪，那种不由自主的感觉AI演员难以完成，最后只能借助表演迁移。

　　这也是目前主流的解决方案之一，即让真人演员完成相对复杂的表演，再迁移到AI演员的表演中。蒋总告诉镜象娱乐：“在我们的动作戏中，动作迁移占到了50%，表演迁移的部分大概占到30%。”

　　而当创作团队更聚焦于剧情，以技术为底层支撑的AI长片也不得不面临技术与故事之间的权衡，曾导认为这可以看作当下的第三个难点。在整个创作过程中，《奇谭》团队也常常在两者之间做取舍。

　　据曾导透露，原本在《奇谭》开篇，白小满会在一个梦境中经历很多奇妙的事情。“我们当时的一个设想是在开篇要炫技，要给大家看到不一样的视觉呈现。”那场戏做了有六七分钟，其中将近五分钟都是炫技式的奇观，比如小满在石窟中一拉链锁，山洞便从岩石质感变成丝绸，丝绸被她拉下来落在地上，又变成了海洋。顺着这些奇观，小满见到了一位“没有脸”的女士，并在其引导下开始寻找记忆。

　　而在最终成片中，这个片段被删至不到两分钟，前面“炫技”的部分几乎全部删除。“我们最后的总结是说，要回归故事，回归真人感。”

　　不过需要注意的是，这里提到的“真人感”仍然是画风层面的感觉，而非极致地追求像真人。曾导解释道：“所谓真人感，观众要看这几个角色演60-70分钟，表演和剧情的细化就非常重要，它需要有高低起伏，就和传统的剧作是一个逻辑……最核心的还是要回到故事的主线上，我们怎么去说一个故事，怎么能让观众看AI影片落一滴眼泪。”

　　这其实是比技术实现更难的部分，考验的是内容创作者在AI时代讲故事的能力，怎样让影片尽可能地完整、流畅、有起伏。《奇谭》团队的做法是，在all in AIGC的基础上，从长线运营IP的维度，搭建完整的世界观和故事体系。

　　在蒋总的设想中，团队在做的是一个更大世界观的中式志怪IP“百物奇谭”，目前播出的《奇谭：纸刃渡荒墟》，只是其中的一个分支。为此，团队基于《山海经》《聊斋》等东方志怪神话，搭建了更丰富的世界观体系，已经设计完成了250-300只妖怪形象。后续除了《奇谭》系列之外，还将围绕其中的更多形象，不断扩充“百物奇谭”的内容。

　　除此之外，团队还在尝试动作、探墓、悬疑等更多题材的内容，其底层思路是打造自有IP。蒋总坦言：“我们的初心，还是以AI精品化内容打造IP的全链生态。”其中，除了首推的AI长片之外，还包括新媒体矩阵、AI演员的明星化探索、同IP的互动影游、衍生品等。

　　当然，这个过程需要不断地“摸着石头过河”，而在前期阶段，《奇谭》团队的选择是与平台同行。从内容创作层面来讲，这不失为让AI长片能够快速融入影视工业体系、完成商业化落地的一个“捷径”。

　　蒋总告诉镜象娱乐，这是大梦创新首次与爱奇艺合作，作为联合出品方，平台提供的支持贯穿影片从筹备、立项，到创作、审核、宣发、分账的整个过程。“对我们创作团队而言，平台方的明确（指向），是个定心丸。”

　　曾导透露了更多细节，平台在数据指引和版权问题上，“帮助我们少走了很多弯路”，包括在前期规避一些风险，或是一起把控当下市场更偏好的内容节奏。这其实从一个侧面反映出，在AI时代，内容平台也在积极转向。

　　进入2026年，爱奇艺all in AI的脚步整体加快。一方面，从“鲍德熹·爱奇艺AI剧场”，到后来进一步升级的“鲍德熹·爱奇艺电影剧场”，平台的AIGC内容生态迅速搭建起来。同时，围绕短片、长片等差异化内容，配套相应的扶持计划和政策激励。

　　另一方面，爱奇艺也在快速搭建AI时代的基础设施和分账体系，从创作和变现两个维度，帮助创作者迅速成长起来。比如今年3月，平台推出的专业级AIGC影视制作平台纳逗Pro，就从剧本开发、视听制作等多个方面，降低长内容创作的试错成本。

　　前不久的FIRST影展上，爱奇艺创始人、CEO龚宇再次重点阐述了平台的AI战略：坚定All in AI，全力建设健康的创作者生态；专注AI赋能实拍及AIGC专业影视长片；与创作者一同探索AI催生的视听作品新形态。

　　如今，国内首部拿到发行许可的AI长片《奇谭》表现超出预期，短剧赛道也跑出了《被裁掉的女孩》《最后一个道士》等表现不错的内容，进一步印证了AI影视的创作和商业链路都已跑通。

　　在这样的发展局面下，蒋程期待着在AI时代，“是不是可以创造出属于AI的独特类型，甚至是新的交互、新的介质。”曾导则在与技术不断的碰撞中，希望AI技术更快迈入成熟阶段：“我觉得未来，AI能够实现更多有意思的、有冲击力的镜头，那个时候，创作者可以更回归到创作的本质：如何去说一个故事。”